CONVERSATION

JB Gambier & Hugo Béhérégaray: (De)costruetion

issue #34: (De)construction

Il Diario di JB Gambier & Hugo Béhérégaray, designer e artisti olandesi, riflettono sul tema della (De)construction: come la costruzione, la distruzione e la ricostruzione facciano parte di un processo creativo libero da formalismi. L’incontro è durante la Vienna Design Week 2023. Benvenuti in Caleido, Osservatorio caleidoscopico sul mondo della creatività / Leggi qui l’Editor’s letter

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Ph. Pierre Castignola
1. Secondo la vostra esperienza, qual è l’interazione o il dialogo più intrigante che è emerso tra le vostre installazioni artistiche e le persone che le vivono?

JBG: Ricordo questa interessante interazione quando l’anno scorso ho progettato una vetrina per @hermes sul tema del nastro adesivo. Per presentare i loro prodotti, abbiamo realizzato questi piccoli stand in legno di recupero con nastro di seta e pelle. Ero lì durante i lavori di allestimento e di fronte c’era un cantiere. Il giorno in cui abbiamo finito, ricordo di aver visto gli operai che guardavano da vicino la finestra e potevo vedere il sorriso sui loro volti. Ero molto felice di vedere che il mio lavoro era piaciuto attraverso la vetrina di un marchio di moda. Se riesco a suscitare piacere e divertimento nelle persone, chiunque esse siano e qualunque cosa facciano, allora sono soddisfatto.

HB: Sembra un po’ smielato, ma credo che l’interazione più gratificante e sorprendente che il pubblico può avere con le installazioni che realizziamo è quella di ridere ad alta voce. Per esempio, quando le persone, durante la @ViennaDesignWeek, guardavano i loro amici attraverso lo schermo televisivo distruggere i mobili di cartone nella DESTRUCTION ROOM, c’era un hype fortissimo come se stessero guardando uno spettacolo comico. È una sensazione che ho provato anche quando ho camminato con un autoritratto gigante per le strade di Parigi. Ridere è apparentemente una reazione a qualcosa di strano e inaspettato nella cosiddetta “realtà”, ed è questo che voglio suscitare.

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Ph. Pierre Castignola
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Ph. Pierre Castignola
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Ph. Pierre Castignola
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Ph. Anniek Mol / Origin Story Studio
2. Potete condividere un progetto in cui avete mirato intenzionalmente a sconvolgere o decostruire le norme architettoniche e quali sono stati i risultati o le reazioni?

JBG: Per la @dutchdesignweek 2021, ho sfidato me stesso a costruire un capanno con legno e nastro adesivo colorato. È stato un modo interessante per scalare le mie tecniche con il nastro adesivo in una scala più grande. Anche se ho usato delle viti in alcuni collegamenti importanti, le pareti e il tetto sono stati realizzati con legno e nastro adesivo. Ho fatto dei progetti approssimativi, ma la costruzione è avvenuta in modo molto intuitivo, il che non è il modo tradizionale di fare architettura, credo. Questo materiale mi aiuta a costruire in modo istintivo e giocoso strutture strane che sarebbero più difficili da realizzare con altri materiali. Durante la costruzione, su Instagram aggiornavo il pubblico costantemente sul processo e fornivo tutti gli spunti, i suggerimenti e i consigli per la costruzione, un po’ come in un video di bricolage.

HB: Nel 2019 sono stato invitato dall’Art Center @abbayedemaubuisson di Saint-Ouen-l’Aumône, in Francia, per una residenza. Il centro d’arte è un vecchio agglomerato del XIII secolo e avevano molti materiali rimasti dalle loro mostre passate, così ho proposto di realizzare un grande capannone con tutti questi scarti nel loro giardino. Era un modo per rispondere all’attività del centro d’arte attraverso la sua storia recente e antica, creando un luogo indipendente di incontro e di gioco. Il pubblico era libero di dipingere sul capannone, di costruirlo con me e di proporre eventi come pause musicali o scatti fotografici. Mi sembra importante fornire strutture in cui le persone possano proiettarsi e in cui ci sia libertà di azione.

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@persis_k @hugobeheregaray
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3. Quale ruolo ritenete che l’arte svolga nel plasmare la percezione e l’interazione del pubblico con gli ambienti urbani?

JBG: L’arte è un mezzo per trasmettere emozioni e idee e cerca sempre di mettere in discussione qualcosa. Dà gli strumenti per sperimentare il proprio ambiente in modo diverso, cambiare le percezioni e le convinzioni. Può aprire un dibattito, raccontare una storia e aprire la mente delle persone.

HB: L’arte è questo luogo di creazione di possibilità tra le regole. Sfidiamo ciò che può essere fatto con poco. Ad esempio, quando durante la settimana di design in cui la regola per il pubblico è quella di “non toccare” si offre invece la possibilità di distruggere i mobili, si estende la capacità di interazione e di percezione dello “spettatore”. Negli ambienti urbani è un po’ lo stesso: quando l’arte appare spontaneamente in uno spazio pubblico incuriosisce e dà la possibilità di percepire la “realtà” in modo diverso. Le persone si fermano, guardano, parlano e alla fine hanno la sensazione che la strada che percorrono ogni giorno possa essere qualcosa di diverso da un semplice percorso di circolazione. Credo che in generale nelle città dell’Europa occidentale ci sia una mancanza di utilizzo dello spazio pubblico, dove la funzionalità ha preso il sopravvento sul tempo speso per rilassarsi insieme. L’arte potrebbe aiutare a combattere questa tendenza.

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Ph. Pierre Castignola
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4. La collaborazione tra artisti può essere impegnativa a causa delle diverse visioni. Come trovate un terreno comune per creare insieme opere coese e significative?

JBG: Sebbene il nostro approccio all’arte e al design sia molto simile, ci sono sempre degli argomenti di attrito. Credo infatti che gli aspetti conflittuali all’interno di un team possano creare contrasti molto interessanti e possano generare qualcosa di nuovo e unico attraverso la collaborazione. La chiave è essere aperti, flessibili e accettare di non essere gli unici a prendere decisioni. Se in un team tutti sono esattamente uguali non c’è sorpresa e il lavoro risulta quindi meno interessante.

HB: Credo che la chiave della collaborazione sia accettare di non essere d’accordo su tutto. Quando due forti identità artistiche decidono di lavorare allo stesso progetto, il punto non è misurare le proprie intensità, ma farle confrontare. Non è esattamente una lotta, perché alla fine non dovrebbe esserci un vincitore o un perdente, ma piuttosto una disposizione a essere sfidati da un’altra forte personalità. Naturalmente questo funziona solo se c’è una buona comunicazione e stima. Per me, la collaborazione funziona quando questi due universi entrano in attrito, come due pietre che si colpiscono per creare il fuoco.

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Ph. Pierre Castignola
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5. Come affrontate l’aspetto della sostenibilità delle vostre installazioni artistiche, considerando l’impatto sull’ambiente e sulle strutture architettoniche?

JBG: Una cosa che abbiamo in comune è l’amore per gli scarti di materiale. Cerchiamo di riutilizzare il più possibile e di usare meno materiale nuovo. Credo che abbiamo già così tante cose, che è meglio riutilizzare. Questa idea è suggerita anche nella DESTRUCTION ROOM, dove abbiamo gli stessi oggetti dall’inizio alla fine che vengono costantemente rotti e riparati. Si cerca di mantenere in vita qualcosa il più a lungo possibile, utilizzando il nastro adesivo. Gettare via è facile e veloce, ma riparare è più coinvolgente.

HB: Utilizziamo molti scarti: cartone, legno, vecchi mobili, ecc. C’è un po’ la sensazione che quello che facciamo sia destinato a scomparire, visto che spesso creiamo strutture effimere. Quindi è meglio usare i materiali di scarto che comunque verranno distrutti di nuovo.

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Ph. Pierre Castignola
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@persis_k @hugobeheregaray
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6. Qual è il materiale o il mezzo più inaspettato o non convenzionale che avete usato nella vostra arte e cosa vi ha ispirato verso questa scelta?

JBG: Sono molto interessato ai videogiochi, un ambito che ispira costantemente il mio lavoro. Come l’arte digitale, questi mezzi hanno dimensioni immersive che mi piacciono molto. Al momento sto sperimentando i software 3D e i motori dei videogiochi, per sperare di realizzare un progetto interessante che possa entrare a far parte della mia professione, prima o poi.

HB: Recentemente ho usato calzini e vecchi occhiali da sole. Li ho combinati per creare degli “occhiali a calzino” e vedere il mondo in modo diverso.

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7. La vostra performance artistica (durante la @ViennaDesignWeek) invita gli spettatori a partecipare attivamente. In che modo il coinvolgimento del pubblico influisce sul vostro processo creativo? Quali sono le conclusioni di questa sperimentazione?

JBG: Uno dei concetti fondamentali quando abbiamo creato questo progetto è stato quello di coinvolgere il pubblico per realizzare alla fine un’opera d’arte collettiva. In questo modo il pubblico si è sentito più coinvolto e ha partecipato attivamente! È anche un modo per avviare conversazioni interessanti trovandosi sullo stesso luogo, riparando oggetti insieme. Sono molto felice che la maggior parte delle persone abbia capito davvero tutte le idee e i valori alla base di questo progetto.

HB: Quando crei qualcosa devi accettare che venga percepito in modo diverso dalle tue intenzioni iniziali. Per me è stato intrigante vedere come la gente distruggeva i mobili di cartone su cui avevo investito un mese di lavoro. Per ora è ancora tutto recente, quindi non ho conclusioni definitive in merito, ma continuo a credere che sia anche un modo di percepire l’arte quello di offrire la possibilità di distruggere piuttosto che di guardare.

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Ph. Pierre Castignola
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8. Se poteste collaborare con un architetto o un designer della storia, chi sarebbe e che tipo di progetto immaginereste insieme?

JBG: Penso che lo farei con @tomsachs. Mi piace l’idea di fingere un programma di esplorazione spaziale e vorrei fare un’esperienza simile, attraverso un linguaggio visivo con cui posso relazionarmi: materiali grezzi, cuciture e viti visibili, l’uso del nastro adesivo e il costante riferimento alla cultura popolare, pur criticandola.

HB: Penso che mi piacerebbe collaborare con @niki_de_saint_phalle per un progetto come l’affascinante Giardino dei Tarocchi, creando labirinti e affascinanti esplorazioni. Credo che mi piacerebbe anche collaborare con Shigeru Ban, [@voluntary_architects_network] che è stato una delle mie prime grandi ispirazioni architettoniche e che potrebbe insegnarmi di più sull’arte del cartone come materiale da costruzione.

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9. Al di là delle gallerie tradizionali, dove vorreste vedere collocate le vostre installazioni d’arte e perché?

JBG: Di recente sono interessato a scene e oggetti di scena, che sarebbero molto interessanti da usare per un film, uno spettacolo teatrale o, perché no, un videogioco. Mi piacerebbe infatti esplorare diversi mezzi di narrazione.

HB: Nei teatri per l’esperienza della “scatola nera”, nelle piazze per la casualità degli incontri, nella cabina di un treno per il gusto di far viaggiare l’arte.

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10. Qual è un oggetto della vostra casa a cui non rinuncereste mai? Qual è il ricordo ad esso legato? Ci mandereste una foto scattata da voi?

JBG: Il CD di questo vecchio videogioco chiamato “Rayman 3” per PC. Ho trascorso innumerevoli ore su questo gioco quando ero giovane. Ancora oggi sono molto ispirato dal suo folle universo fantasy. Il solo guardare la copertina mi riporta alla mia infanzia, influenzata da questo universo che mi piaceva così tanto. Ogni tanto ci gioco ancora per i ricordi.

HB: La mia chitarra. È una chitarra piuttosto scadente, ma mia madre me l’ha offerta quando avevo 10 anni e la porto in tutti i posti in cui mi sono trasferito. Ci ho dipinto sopra degli occhi come l’ukulele della serie “kidding” con Jim Carrey, e porta con sé un sacco di bei ricordi.

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