Liv Vaisberg & Clélie Debehault: Relevance

Sin dalla sua nascita, COLLECTIBLE è stato guidato da una visione curatoriale condivisa tra noi due, con l’obiettivo costante di dare voce a ciò che il design può diventare, piuttosto che a ciò che già è. Abbiamo creato una fiera intenzionalmente perché volevamo stimolare il mercato e incoraggiare i collezionisti d’arte a confrontarsi con questo tipo di design. Una fiera raduna un vasto pubblico e offre una dimensione che ci consente maggiore libertà e impatto. Ma non si tratta di una comune fiera commerciale. COLLECTIBLE è una fiera curata in cui ogni stand viene trattato come contenuto. Prestiamo grande attenzione a come i progetti dialogano tra loro e ci assicuriamo che non vi siano accostamenti casuali. Anche tutte le attività collaterali (talk, performance, visite VIP) seguono la nostra filosofia. È così che si crea e si sostiene un ecosistema autentico.

È vero. Per noi, “collectible” non riguarda solo il prezzo o l’esclusività. Riguarda la rilevanza. Un oggetto da collezione cattura il proprio tempo, spinge i confini del materiale, della forma o del concetto.

Sono essenziali. Una foto online non può sostituire la sensazione di incontrare un pezzo nello spazio. La scenografia a COLLECTIBLE consiste nel creare ambienti in cui le persone rallentano, si connettono e vedono le cose con occhi nuovi. È lì che si costruiscono memoria e desiderio autentici. A Bruxelles, ogni anno dedichiamo l’ingresso dell’edificio a uno scenografo da noi scelto, spingendolo a superare i limiti. Questo dà immediatamente il tono: le persone comprendono che COLLECTIBLE è un universo immersivo. Per noi è importante cercare sempre nuovi scenografi e dare loro carta bianca e una piattaforma.

Cerchiamo audacia e autenticità. Che si tratti di una galleria o di un giovane designer, ciò che conta è la voce dietro il lavoro e il senso dello stand nel suo insieme. Ci interessa la visione e la coerenza. In altri contesti, i designer si concentrano troppo sulla commerciabilità o sulle tendenze, ma a COLLECTIBLE sappiamo che le persone presentano pezzi che sentono personali e coraggiosi. Cerchiamo anche l’intenzione: perché questo lavoro è importante ora e quale conversazione apre? Sono queste le domande che ci guidano.

È diventato sicuramente una comunità. Alcune persone lo chiamano un campo estivo: non vedono l’ora di rivedersi. Le persone vengono per esporre, ma restano per le relazioni che costruiscono. Collaborano in seguito. Quest’anno a New York, tre espositori che erano vicini a Bruxelles hanno deciso di condividere uno stand. Altri due hanno unito i loro stand per creare un’incredibile listening room (Silence Please e Tang Thousand). Abbiamo anche avuto musei che esponevano accanto ai designer, il che ha portato direttamente a mostre. La comunità è più ampia del solo design, ora include persone provenienti dalla moda, dall’arte e altro ancora. Stiamo anche lavorando a formati che vanno oltre la fiera, come piattaforme di visibilità a lungo termine, incontri più intimi e CLUB COLLECTIBLE, una comunità più ristretta per interior designer.

Abbiamo la responsabilità di mostrare ciò che conta ora e di dare spazio a voci che altrimenti potrebbero essere trascurate. Una piattaforma come COLLECTIBLE può spostare le percezioni e contribuire a definire cosa significhi il design oggi e domani. Si tratta anche di responsabilità: non solo riflettere le tendenze, ma incoraggiare la sperimentazione, la diversità e il coraggio di rischiare. Soprattutto, siamo responsabili di difendere questo tipo di design. Quando abbiamo iniziato nove anni fa, molti collezionisti e riviste non sapevano nemmeno cosa fosse. Oggi COLLECTIBLE è considerato un punto di riferimento consolidato, ma dobbiamo mantenere la nostra rilevanza, garantire che i nostri designer rimangano visibili e che il mercato continui a crescere nonostante tutte le sfide.

I designer devono creare con onestà. Non solo per compiacere il mercato, ma per riflettere la propria visione del mondo e, in definitiva, è così che raggiungeranno anche il mercato. La loro responsabilità è portare nuove prospettive e osare sfidare le convenzioni, cosa che al design non è sempre stato chiesto di fare. Oggi, più che mai, il design riguarda anche idee, posizioni e storie.

Ogni città ha il proprio ritmo e contesto. Bruxelles è più radicata e consolidata, New York è frenetica e sperimentale, e Hong Kong è una mostra curata sotto l’egida di Maison & Objet, un dialogo tra Asia ed Europa, dove gli stereotipi reciproci si incontrano e dove passato e presente si scontrano. Ciò che ci sorprende è che, nonostante queste differenze, c’è sempre una sete di design che sia autentico e nuovo. Le conversazioni cambiano: a New York si tratta spesso di spingere i limiti, a Bruxelles di profondità e dialogo, e in Asia di costruire ponti tra eredità e nuove forme. Il terreno comune ovunque è la ricerca dell’autenticità.

Sono attratti dalle storie. I collezionisti più giovani non vogliono solo un bell’oggetto, vogliono sapere chi lo ha realizzato, perché esiste e cosa apporta. Vogliono designer impegnati e audaci, che abbiano qualcosa da dire. La trasparenza e l’autenticità contano più del pedigree, e sono aperti a scoprire nuove voci.

Domanda difficile! Ogni anno “fuggiamo” effettivamente con alcuni pezzi. Liv direbbe la lampada di Romain Basile in Fashion, o un grande mobile di Kiki Goti da Toro Manifesto, anche se è più difficile da portare a mano. O forse l’intera scenografia di Kat Snodgrass in Curated (una carta da parati che ha realizzato con la curatrice Hannah Martin in collaborazione con Wallpaper Projects). La vuole nella sua stanza! Quanto a Clélie, probabilmente la sedia in resina di Marcela Cure, organica, poetica e silenziosamente potente. Faceva parte della sua prima collezione di collectible design, lanciata a COLLECTIBLE, e ha creato delle graziose borse per tutti da portare a casa.