issue #20: Everyday design
Caleido intervista Natalia Gurova, artista, giornalista e coordinatrice all’@akbild & Jeffrey Heiligers, creative director e consulente di design per @thefutureprospectslab , fondatore di @1m2collective e insegnante al @amfinl. Benvenuti in Caleido, diario d’ispirazione che contiene molte storie: di persone creative, di tendenze, di viaggi, di oggetti. / Leggi qui l’Editor’s letter
Diari di: @nataly_gurova & @jeffrey_heiligers
1. NG: Alla @viennadesignweek 2022 avete presentato l’installazione “Liquid House”, realizzata insieme al collettivo olandese @1m2collective. Si tratta di una mostra su oggetti comuni, il cui design è molto influenzato dalla disponibilità, o penuria, di risorse. Come può la scarsità di risorse diventare uno stimolo per i creatori/designer? E quando invece un limite insormontabile?
Innanzitutto, è molto più facile decidere su 2 o 3 opzioni che su 10, ma solo a prima vista. È probabile che ci voglia ancora più tempo per creare un oggetto con risorse limitate che con una loro abbondanza, ma tutto dipende da cosa vogliamo ottenere e con quali mezzi. Nel mio progetto, gli artisti hanno fatto le loro scelte in base alla loro esperienza con i materiali. Ognuno di loro aveva un materiale principale e un mezzo nel proprio arsenale, come il legno e le graffette, il gesso e la luce, la ceramica e i piedistalli, ecc. La storia dell’arte ci dice che i minimalisti potevano creare con uno o due elementi, un muro e la luce, solo carta, il proprio corpo, e l’elenco continua… Quindi tutto è limitato solo dall’intenzione dell’autore. Naturalmente, se iniziamo a pensare alla funzionalità e all’uso dell’oggetto, le limitazioni possono essere di ogni tipo. Cosa fare di un tavolo se ho 50 centimetri di spazio e solo 2 lati disponibili intorno, e un budget di 30 euro? Sono tutte domande interessanti alle quali rispondere.
2. NG: Uno degli obiettivi del suo lavoro è quello di sensibilizzare l’opinione pubblica sulla posizione dei migranti nel design. Che cosa ha evidenziato la sua indagine?
Ho finito per lavorare con sette artisti che ho selezionato attraverso un bando aperto. L’ho condotta con l’aiuto della @viennadesignweek, del collettivo @1m2collective e di @kueltuergemma! Il tema ha suscitato molto interesse. Molte persone mi hanno scritto. Coloro che non hanno fatto domanda di partecipazione si sono comunque interessati allo sviluppo del progetto, il che è molto bello, ma dimostra anche che la connessione tra il tema delle risorse limitate, della migrazione e del design interessa sia gli artisti e i designer, che le persone comuni. Nel corso del processo è emerso chiaramente che, da un lato, molti migranti stanno operando, ma subiscono limitazioni strutturali che impediscono loro di fare qualcosa nel campo del design. Ad esempio, non hanno un’istruzione adeguata, non capiscono come funziona il sistema e come creare una rete intorno a loro.
D’altra parte, quando si iniziano a studiare le biografie dei principali progettisti, ci si accorge subito che la maggior parte di loro provengono da un ambiente di un certo tipo, hanno una buona istruzione, un ambiente favorevole e dispongono di un capitale iniziale per sviluppare il proprio talento. E, naturalmente, le persone hanno in testa molti stereotipi su come funzionano le cose e credenze limitanti. Ma soprattutto, mancano le informazioni su cosa e come si può fare per arrivare dove si vuole.
3. JH: Lei definisce @1m2collective come una piattaforma di design interdisciplinare che mira a realizzare un’industria del design più inclusiva. Quali sono gli ostacoli che devono ancora essere superati perché ciò avvenga davvero?
Credo che questa sia una domanda molto difficile e complessa a cui rispondere, perché credo che non ci sia un solo modo o una sola soluzione per far scomparire tutti i problemi. Ci vorrà tempo, dedizione e la voce di più individui, che offrano percorsi alternativi e introducano volti nuovi sulla scena dell’arte e del design. Credo che uno dei maggiori ostacoli sia l’abbassamento delle barriere d’ingresso e la sostituzione di alcune persone in posizioni chiave all’interno di tutti i diversi settori. La maggior parte di loro è riluttante al cambiamento e preferisce attenersi a routine conosciute e confortevoli. Sebbene l’arte e il design siano sempre stati mezzi per mettere in discussione e sfidare la “norma”, come industria ci rifiutiamo di riconoscere che è necessario apportare cambiamenti drastici. Di cosa abbiamo paura?
4. NG: Il rapporto tra arte e società è sempre molto complesso e intricato. Quali sono i fenomeni della società odierna che gli artisti contemporanei stanno indagando più intensamente?
L’arte è ancora ancorata al XX, e solo di recente ha iniziato a esplorare nuovi territori. Stiamo parlando di scienza, attivismo politico, tecnologia, ecc. Questa storia continua ancora oggi. Ma mi sembra che ci siano diverse applicazioni tematiche. Possiamo vedere il riflesso di molti di essi nelle varie biennali, festival e mostre legate all’arte. Gli artisti sono interessati al rapporto tra società e tecnologia. Tutte le questioni sollevate da @donnaharaway1944 nelle sue opere riguardano la comunità. Probabilmente siamo cyborg e quando la tecnologia e l’umano si uniscono, quanto è pericoloso e come cambierà noi e il mondo che ci circonda. Naturalmente, le donne hanno una visione del mondo non binaria, non patriarcale e non maschilista. Come potrebbe essere questo mondo? Cosa manca in esso e cosa, al contrario, ci ostacola? Questioni di vita comunitaria, inclusione, diritti umani e funzionalità dei vari gruppi. Voglio subito parlare di collettività, di lavoro in dialogo, di copyright aperto e di connessioni non lineari e disordinate tra i formati. I recenti eventi legati alle guerre e alle proteste in diversi Paesi acuiscono il problema del colonialismo e dell’ordine mondiale alternativo, delle relazioni tra le persone e le istituzioni governative, e attendono lo studio della situazione. Sono molte le cose che gli artisti trovano adatte alla ricerca.
5. NG: Lei organizza spesso laboratori artistici, nei quali si costruisce un semplice mobile utilizzando materiali di recupero, avanzi di oggetti più grandi e semplici strumenti come martello, sega, cacciavite e filo di ferro. Può raccontarci un risultato che l’ha particolarmente colpita? Come può questa esperienza specifica diventare una pratica comune?
I partecipanti ai laboratori fanno molte scoperte interessanti in un arco di tempo relativamente limitato. Mi ha sempre stupito la capacità dei partecipanti di guardare alle risorse circostanti in modo nuovo. Per esempio, si può camminare per strada, trovare un pezzo di tubo di metallo e usarlo per fare un tavolo. Inoltre, ognuno ha il suo focus: qualcuno pensa all’equilibrio e alla stabilità di questo o quell’elemento, qualcuno alla componente visiva e cerca di avvicinare l’oggetto a forme note, e qualcuno inizia a fantasticare e alla fine abbandona il gruppo della funzionalità e del materiale.
6. Visitando la @viennadesignweek, penso spesso che l’attenzione si concentri sul processo, sulla sperimentazione e sull’indagine, piuttosto che sul prodotto finito. Qual è un’installazione o una creazione che l’ha particolarmente colpita? Per quali ragioni? Quali valori trasmette?
NG: Mi è piaciuto THE INSTANT NOODLE REPAIR CAFÉ di @pekin_roasted_duck / @pierrecastignola all’ingresso di Rahlgasse. I ragazzi hanno realizzato un bar con materiali improvvisati e hanno usato materiali con cui i bambini fanno artigianato per creare una superficie del tavolo morbida e luminosa. In generale, i ragazzi hanno creato un’atmosfera amichevole trattando tutti con frittelle di pasta e con i mobili che hanno inventato.
JH: Forse sono un po’ di parte, ma la mia preferita è stata l’installazione di Natalia. Mette in discussione diversi livelli di politica, l’industria dell’arte e del design, ma anche la società nel suo complesso. Che cos’è il design? Quali sono le risorse disponibili? Qual è il tuo status sociale? Come si riflette la società su di te come individuo? E forse si rivolge anche alla vergogna. La mia preferenza non è necessariamente un prodotto finito. Ne abbiamo abbastanza. Preferisco i finali aperti, che ci fanno pensare e ripensare a ciò che è davvero importante e a quali possibilità potremmo potenzialmente andare avanti.
7. Entrambi lavorate con molta attenzione alla presentazione del progetto in una mostra. Al di fuori del vostro lavoro, c’è qualche esposizione museale che vi ha particolarmente colpiti e che dovremmo conoscere? Potete indicarci una destinazione su Instagram dove possiamo vederle?
NG: Vivo a Vienna, quindi ricordo la mostra Hungry for Time (@kunstsammlungenakademievienna) , curata da artisti e curatori indiani – @raqsmediacollective. Era un’opera molto complessa e sfaccettata. I curatori hanno lavorato con la collezione dell’@akbild, che comprendeva opere di Albrecht Dürer e Hieronymus Bosch. Ma sono stati invitati a partecipare al progetto molti giovani artisti, il cui lavoro è raramente esposto in Europa. Gli artisti austriaci Nicole Six e Paul Petritsch hanno lavorato alla mostra. Mi sembra che in questa mostra si potessero vedere tutti i possibili approcci all’organizzazione dello spazio nelle condizioni di una galleria d’arte classica. Mi è piaciuto l’uso di piattaforme d’argento che contenevano gli oggetti della collezione della galleria, accanto alle quali ci si poteva sedere su cuscini di gommapiuma. Di solito la distanza tra l’oggetto d’arte e lo spettatore è piuttosto ampia, soprattutto quando si tratta di oggetti d’arte classica; qui gli artisti hanno deciso di ridurla.
JH: Un museo che è in cima alla mia lista di visite è l’@oscamonline di Amsterdam Zuidoost. Mi piace molto la loro filosofia: “Chiunque voglia partecipare senza escludere gli altri è il benvenuto a Zuidoost, e nell’Open Space Contemporary Art Museum”.
8. JH: Oltre a @1m2collective, lei è anche il fondatore di @thefutureprospectslab: una società di consulenza di design che si occupa di ricerca e prototipazione. In cosa consiste il vostro lavoro?
@thefutureprospectslab è una società di consulenza di design indipendente che affronta problemi complessi di immagine e visione. Attualmente aiuto aziende e organizzazioni del settore educativo e culturale. Lo faccio utilizzando il design come strumento di comunicazione per portare il cambiamento sistemico e le nuove esperienze al centro della loro identità e dei processi che la accompagnano. In questo modo si riprende il controllo delle cose che si fanno con la giusta intenzione. Abbassare le barriere e avviare una conversazione aperta su questioni urgenti nel mondo e creare una migliore connessione con il pubblico.
9. Parlando di voi come persone, al di fuori del lavoro: quali sono le attività che vi fanno sentire bene e vi permettono di riconnettervi con il mondo? Ci sono progetti personali a cui state lavorando?
NG: Mi piace comunicare con la natura e gli animali. Ho un gatto e a volte penso di dover realizzare per lui qualche strano mobile felino. Lavoro anche per un’organizzazione che aiuta gli artisti in fuga dalla guerra in Ucraina (Office Ukraine). Fare ciò, mi fa sentire in un ruolo completamente diverso e mi permette di guardare alla pratica con occhi diversi. Ora sto pensando a come adattare il progetto presentato alla @viennadesignweek allo spazio limitato di un museo. E anche a come realizzare un’enorme pastinaca (Heracleum) con materiali trasparenti e parlare di tossicità e squilibrio ambientale e politico attraverso l’oggetto.
JH: Mi piace lavorare con le mani e sperimentare con le tecniche esistenti. Credo che questo derivi dal mio fascino per i processi, dal desiderio di capire come le cose funzionano e si uniscono, ma anche di trovare soluzioni a ciò che non funziona come previsto. Al momento sto annodando a mano un arazzo con tessuti di scarto, 100 cm x 200 cm.
10. Qual è un oggetto della vostra casa a cui non rinuncereste mai? Qual è il ricordo legato ad esso? Ci mandereste una foto scattata da voi?
NG: Il piccolo armadietto delle spezie in legno che mi ha regalato una mia amica. I suoi elementi sono collegati senza chiodi e viti. Nonostante l’età avanzata, è molto compatto e piacevole da vedere. Si abbina bene a qualsiasi arredamento. Ho anche un tavolo realizzato per un progetto in strada, che è poi migrato a casa mia. È un po’ goffo, ma mi piace che, nonostante questo, sia stabile. Il mio gatto adora sdraiarcisi sopra.
JH: Il mio guardaroba. È stato un regalo dei miei genitori quando io e la persona con cui vivo abbiamo comprato la nostra prima casa. Si trovava nella casa in cui sono cresciuto e ho sempre detto che mi sarebbe piaciuto averlo. Ha un valore affettivo e non vi rinuncerei mai. Vorrei anche parlare della qualità di questo mobile: è stato costruito per durare nel tempo e questo è un aspetto che ritengo molto importante.
